Opern gegen den Hunger
"Die Liebe zur Oper, die hat mit dem Hunger zu tun", sagt Barbara Arens. Ich verstehe noch nicht ganz, aber da ist sie schon mittendrin in den Kriegsjahren in Danzig, als die Mutter den Volksempfänger anstellte, wenn die Kinder Hunger hatten. "Sie erklärte uns die Opern, und wir vergassen das Essen." Jetzt steht Barbara Arens im Kieler Opernfoyer zwischen ihren Bildern, die fast alle von der Oper handeln. "Violetta, Lohengrin, Rigoletto oder Lulu, das sind ja meine Freunde von klein auf", sagt sie. Und die Oper sei ja schliesslich das richtige Leben. Elsa, die verlassen wird, oder Lulu von den Männern geliebt... In knapp drei Wochen hat Barbara Arens den fuer sie vertrauten Figuren und Schauplätze spontan bildnerische Form gegeben: die Nibelungen, Tristan, Siegfried, Vincent, das Land des Lächelns, die Westside Story. Das sind atmosphärische Bilder, keine durchgestalteten Opernillustrationen. Barbara Arens nach ihrer Biographie zu befragen, heisst, sich auf ein polyglottes Abenteuer einlassen. Prägendes Kindheitserlebnis war das deutsche Flüchtlingslager in Dänemark. Und damals habe sie schon geschworen, sich nie wieder einsperren zu lassen. In Hamburg machte sie eine Ausbildung zur Gebrauchsgrafikerin und Illustratorin. "Ich wollte ja essen", sagt Barbara Arens. "Und ich wusste mit der freien Kunst wär`das nicht gegangen. Also Werbung, und nach dem ersten Berufsjahr in Hamburg bin ich dann nach Amerika emigriert. So richtig mit allem, was dazu gehört. New York war in den 60er Jahren das Paradies für Kuenstler. Fuer mich, die ich ja aus engen Verhältnissen stammte, war das die Traumwelt."Barbara Arens hatte Erfolg, illustrierte fuer National Distillers, wurde Creative Director fuer Revlon, machte Verpackungsdesign, Anzeigen: "You name it, I did it", kaum etwas, das sie in dieser Branche nicht gemacht hat. Und sie war oben- top floor General Motors Building, mit Blick auf Central Park. Am Abend- Freunde hatte sie in New York noch nicht gefunden- ging sie "natürlich in die Oper". Stehplatz in der Met. Von New York zog es sie nach San Francisco, Barbara Arens gestaltete Weinetiketten und landete in den Siebzigern in Los Angeles. "Die Werbeszene war tot, da lief nichts, und ich kam irgendwie zum Film." Zunächst als Layouterin, später auch als Produzentin: "Schlimme Filme, aber dafuer weltweit." Der erste eigene Film wurde eine Pleite. "Da gab es eins: weitermachen." Eine Kindershow mit Marcel Marceau machte den Flop wieder wett und die Schulden kleiner. Seit 1989 ist Barbara Arens`Herz in Skandinavien zu Hause. "Kalifornien, die Wärme fuer den Körper", sagt sie, "aber der Norden fuer die Seele." Irgendwo in Lappland hat sie eine Hütte, wo sie den Sommer verbringt und sich auch mal Weihnachten zurückzieht. Nein, die Einsamkeit schrecke sie nicht, im Gegenteil: "In dieser Märchenwelt kann ich malen", sagt sie. Auch ihren Opernbildern haftet ja das Märchenhafte an. Sie ist niemals eindeutig und verzichtet auf realistische Festlegungen. Ihre Arbeiten sind eher Entdeckungsreisen und ohne Reisen kann sie nunmal nicht leben. Nach der Zwischenstation in Kiel, wo eine Tante lebt, will sie fuer ein paar Monate in den Libanon, wo Freunde ihr ein Haus zur Verfügung gestellt haben. "Sie können gern mitkommen...", sagt sie.

Maren Kruse, Kunsthistorikerin

Primadonna Assoluta - Barbara Judith Arens
Kiel 1999

'Primadonna Assoluta' is a synonym for opera singer Maria Callas. She became a legend (namely the martyr of Belcanto) and a myth. Barbara Arens has been working on this legend for many years. Maria Callas was born Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos on December 2,1923 as the daughter of Greek parents in New York. Her father was a chemist, her mother attended to the household and the children. At the end of 1937 her mother returned to Athens with her two daughters, but without their father. Maria continued her piano and singing lessons here. Her first appearance as a singer was in 1938 at age 15 at the Music Conservatory of Athens where she sang Santuzza in Mascagni's Cavalleria Rusticana; her first opera debut was in 1942, (the year Arens was born) at the Athens Opera House as Tosca. She was discovered as a talent by singing instructor Elvira di Hidalgo in Athens. She achieved her first few successes in Athens, among others before German soldiers, in August 1944 before the occupying forces, to whom she sang the opera of revolution and freedom: Fidelio. Barbara Arens refers to this concert with one of her works. In 1947, Maria made her first appearance in the arena of Verona as Ponchielli's Gioconda. Her international career as a star actually did not last longer than 13 years, a colossal career. Her first voice crisis came as early as 1953. Arens saw Callas only twice on stage, in Hamburg und New York. Maria Callas dies on September 16, 1977. But not for most people; today, her work is more present than ever. Her image is an icon.

For Barbara Judith Arens, Maria Callas is immortal.
The technological background for the work of Barbara Arens is still relatively new. 1984, a date one has to savour, is the year in which the first Macintosh appeared under the motto 'the computer for the rest of us'. Since 1984, the software has burst into a cascade of development, also for the artist workplace: 'the computer should draw as if it were a person'; 'being digital' has been the keyword since then, the computer's structure takes on its 'human touch', at least in the visions of program developers. Visual design goes through algorithms to again become visual design. Digital as the general principle, digital as an 'essential natural' procedure in human creation. The new tools command us, and we command the new tools. Creative processes converge in formal processes and again provide material for creative perception. Barbara Arens' tools are the machines of the software developer. Apple builds ideal machines that become the tools of the artist, the computer is a drawing machine. It has no body, it cannot interpret. The IT engineer becomes the tool provider for the artist. 'Software is a machine in symbolic form', says artist and IT engineer Frieder Nake. When an artist uses programs, this provokes a new discussion around the means of production in art. In her vigorousness, Barbara Judith Arens is avant-garde. She has clearly defined the art workplace for herself with the scope of digital technology: yes: PhotoShop, yes: Paint, yes: Illustrators: all Adobe programs, her tools, her instruments, amazing tools-a reduction of studio space to 2 m2; she says 'I am not Picasso, and I don't have a villa', I have to adapt my production to my status: very rational, very realistic. The electronic slate and the digitally produced paper: digital simulation of one as if: sorts of paper, diversity arises from the artistic computing of the program.

But not just Barbara Arens' technical bases are founded on the new values of simulation, her concept is also:
Barbara Arens is Maria Callas and Maria Callas is Barbara Arens. By identifying with the pop icon Callas, Arens simulates her marriage with Callas. In her art, she bonds her existence totally to a Callas who is now merely virtually and digitally present. Arens' production principles have even more vital facets: the model, Arens, is artist and model; she, who has no villa like Picasso, doesn't have any means to employ models either; she takes her body and her gesticulations as a model and digitally integrates fragments of a model into her product. In this way, physical parts of Callas can be physical parts of Arens and vice versa. By intelligently exploiting the programs available, she creates new, formal and strategic scope for art. That is why Arens fascinates me.
'Primadonna Assoluta-Forever Callas. Barbara Judith Arens, for the love of art; the artist and her roles. That is the baroque title of this event; these words appear as a title on a picture by Barbara Arens showing the marriage of Maria Callas with Faye Dunaway. Arens believes that Dunaway is the perfect actress to portrait Callas. Her Photos stand as models, or the two models are photos for the work. Then she adds the backgrounds, the contexts and colours. Barbara Arens says: 'the computer lets me analyse her', i.e. analyse Callas, 'I can only rely on one woman, and that is me,' Callas or Arens? 'She is my best friend', Arens on Callas. 'Callas lived with us', at home, through the radio broadcasts in difficult post-war years. 'Computer and psychoanalysis'. 'What do we know about each other?' 'What does she look like under all that make-up?' 'Digital technology has set me free', says Arens.

Dr. Andreas von Randow, Kunstreferent im Ministerium für Bildung, Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Schleswig-Holstein, Deutschland

Weitere Bilder von Barbara J. Arens in der Galerie:
www.callas-club.de

Arens Beitrag im Buch "KREUZWEGE",
illustriert von Barbara Arens

Applaus

Am 16. September 1977 starb die unsterbliche Maria Callas. Nicht nur der Callasclan hielt den Atem an. Vor den Toren der Bestattungsfeier schluchzten Tausende und riefen „Brava Callas“, als der Leichenwagen wegfuhr. Die Menschenmenge weinte um sie wie um eine nahe Angehörige und applaudierte der verstummten Stimme. Ich habe sie nur zwei Mal auf der Bühne gesehen und, dank der Technik, tausendmale gehört. Jedesmal wenn ich ihrer Stimme lausche, fühle ich mich erkannt, umarmt und getröstet. Seit Jahrzehnten haben wir eine komplexe Kenntnis voneinander. Ihre Stimme besitzt die Macht, den begrenzten Raum meines Inneren ins Uferlose zu erweitern.

Bei einem Besuch in Paris, 1994, suchte ich in der Avenue Georges Mandal das Fenster ihrer Wohnung, das ich auf einer Photographie gesehen hatte. In dieser Straße hätte auch die Wohnung Violettas liegen können. Die elegante Nachbarschaft erinnerte mich an Zeffirellis Verfilmung von „La Traviata“. Das Photo der Callas an ihrem Fenster war in die Weltpresse gelangt, als Onassis sie verlassen hatte, um sich mit einer noch berühmteren Frau zu schmücken. Der Schnappschuß hat sich mir fest eingeprägt. Ein Bild der Einsamkeit und des Wartens. Eigentlich wollte ich nur die Aufnahme überprüfen, das hohe Fenster suchen, das aussieht, als käme niemals Sonne in den Raum. Doch bald fühlte ich, dass ich ihre Einsamkeit suchte, das Bild einer Seele, das in eine Rolle eingeschlossen ist und den Ausweg nicht finden kann. Meine Augen fixierten die Fassade und ich erkannte das hohe Fenster. Der Anblick traf mich gleichermaßen, als ein Zeichen großen Ruhms und Violettas Schwindsucht. Das verschlossene Fenster war mit schweren Vorhängen zugezogen. Ich sah den Raum einer Stimme, die sich verschlossen hatte, und den unbewohnten Raum in meinem Inneren zugleich, das Exil ihrer Kunst und die Ewigkeit. Ich stand allein auf dem Trottoir vor dem hochmütigen Gebäude, vernahm das Schluchzen Violettas, das die Callas auf einer meiner Plattenaufnahmen singt, und ich weinte die Tränen beider Frauen aus meinem eigenen Herzen.

Nein, ich schäme mich nicht, vor der Wohnung einer Operngöttin zu weinen, auch nicht im Theater, wenn ihre Arien in dem Stück „Meisterklasse“ von einer Schallplatte abgespielt werden, oder in der Pause bei einem schnellen Glas Rotwein, wenn ich meiner Freundin sage, daß ich die Callas liebe. Es ist mir nicht peinlich, von der Kunst berührt und geöffnet zu werden. Kunst ist ein zauberkräftiger Bann. Künstler schaffen nicht Kunst, um die Menschheit zu erretten, sondern um sich selbst zu retten und - aus Liebe zu ihr. Kunst bleibt der heilige Ort, der die erste Bühne fürs Theater war, bleibt die wirksamste Waffe gegen den Tod und läßt die Zeit stillstehen. Ursprünglich bildeten Religion, Ritual und Kunst eine Einheit. Nach wie vor wohnt ein religiöses oder metaphysisches Element der Kunst inne. Die Kunst ist stets auch rituelle Umgestaltung der Realität. Vermutlich war der erste Künstler ein Priester oder eine Priesterin in stiller Betrachtung der Natur. Die Fixierung der Natur ist Merkmal aller Kunst, ganz gleich ob Malerei, Dichtung, Musik, Schauspiel oder Gesang.

Walter Legge, der viele der legendären Plattenaufnahmen mit der Callas herausgebracht hat, sah ihr einmal in den Mund und bemerkte, dieser habe die Form einer gotischen Kathedrale. Ihre Stimme klang nicht immer schön - aber menschlich. Eine Stimme, hervorgebracht durch Musik, die jede Erhebung meiner Gefühle reflektiert und mich begleitet durch die Höhen des Lebens und das Tal meines eigenen Zerfalls. Der vielen fremden Sprachen die Callas gesungen hat nicht mächtig, und ohne die Libretti zu verstehen, verstehe ich, weil ich mich von ihr emotional verstanden fühle. Kein Kritiker wird abstreiten, daß die Callas die Operngöttin ihrer Epoche war. Alle sind sich einig, Callas hat das Opernrepertoire durch die Wiederbelebung von vergessenen Zusammenhängen zwischen Gesang und Drama verwandelt. Ich verehre sie, weil sie offenbar Ausdruckskraft höher schätzt als Schönheit. Die Callas vertrat die Wirkung des Naturhaften gegen den Anschein von Ordnung und bot häufig eine Klangfülle am Rande des Chaos. Kunst ist Chaos und auch Ordnung, muß aber nicht gut oder schön sein. Ordnung kann willkürlich, hart und grausam sein. Ein Triller kann schaudern machen und Koloraturen dürfen auch hart und metallisch klingen. Eine Kollegin der Callas sagte, sie habe dreihundert Stimmen. Sie war wie ein Chamäleon, betrat und verließ ihre Register wie rasche Kostümwechsel. Ihre Vielfältigkeit brachte ihr jedoch mehr Kritik als Applaus. Die stimmlich gespaltene Persönlichkeit der Callas, ihre Wandelbarkeit und ihre an Circe erinnernde Verwandlungskraft, ist ein Bild dessen, was häufig von unserer Gesellschaft für die wahre Natur der Frau gehalten wird. Es ist möglich, daß viele Frauen sich mit diesem Bild, einer in Teile zerbrochenen Frau, identifizieren. Ihre Opernrollen sind so vielfältig, dass es kaum eine Frau geben wird, die sich nicht hier und da wiederfindet, obwohl die Musik und die Libretti ausschließlich von Männern geschrieben sind. Verstehen große Künstler doch etwas von Frauen? Die geteilte Stimme der Callas spiegelt die weibliche Seele, wie kaum eine andere Sängerin jemals imstande war, Frauenschicksale zu verkörpern.

Die Callas versöhnte zwei Stimmtypen in ihrer „gotischen Kathedrale“, den dramatischen Sopran und die lyrische Koloraturstimme. Als sie Belcanto-Rollen übernahm, überschritt sie alle Maßstäbe und setzte sich häufig scharfer Kritik aus. Sie hatte Brusttöne wie ein Alt, ein widersprüchliches, aber wunderbares mittleres Register und eine durchdringend hohe Stimme. Mutig überschritt sie die Grenzen, die die toten von den ewig lebenden Kunstwerken trennt. Ihre Opferbereitschaft und Aggressivität gegen sich selbst und das Dargestellte waren der fruchtbare Boden für ihre Kunst. Nietzsche sagt: „Fast alles, was wir ‚höhere Kultur‘ nennen, beruht auf der Vergeistigung und Vertiefung der Grausamkeit.“

Die Morde und Katastrophen in der Opernliteratur sind nicht zur moralischen Erbauung geschaffen, sondern zum Genießen. Das amoralisch vergossene Blut soll Gefühle wecken, erstarren lassen und Angst zerstreuen. Auch die Angst vor dem Tod. Das Ritual der Oper ist die Verwandlung von Lust in Schmerz oder die Leidenschaft, die Leiden schafft. Nicht zuletzt deshalb schien die Oper lange Zeit eine todgeweihte Kunst zu sein. Die altmodische Kunstform, gesungen in fremden Sprachen, die verworrenen Handlungen und die Distanz zum zeitgenössischen Leben, machte sie unpopulär. Die Oper hat keinen hohen Wirklichkeitsgrad. Maria Callas machte die Oper wieder glaubwürdig und lebendig. Sie gab Lucia, Norma, Elvira. Violetta sich selbst und ihre persönlichen Erfahrungen hingebungsvoll dar. So, wie auch die „Method“ Schauspieler, in den fünfziger Jahren. Die „Method“-Schauspielerei wurde in den U.S.A. u.a. von meiner Freundin Viola Spolin in Hollywood entwickelt. Die Schauspieler färben ihre Rollen mit privaten, unaussprechlichen Nöten, die das Selbst umschließen. Die Stimme der Callas und ihre Bühnenpräsenz verwirrten das Publikum anfangs, das der Musik gegenüber oftmals bereits gleichgültig geworden war. Die Callas nahm sich dennoch aller Frauengestalten ernsthaft an, die sie auf der Bühne darbot, auch wenn sie dramatisch unglaubwürdig schienen; ob als Tosca mit dem Messer in der Hand, zornig wie Medea, jungfräulich wie Amina oder verletzt wie Butterfly. Ich verehre die Callas, weil sie mir und all denen, die sich auf Emotionen einlassen können, Einblick verschafft hat in die menschliche Psyche. Sie verkörperte die Schulmädchenfrömmigkeit und mörderische Reife der weiblichen Psyche gleichermaßen, und es gelang ihr, auch unrealistische Charaktere glaubwürdig darzustellen. Die Callas begegnete Beispielen maskuliner Macht mit weiblicher Kraft. Ihre brüsken Abgänge, Terminkündigungen, die großen und kleinen Skandale, die aus ihrem Stimmapparat hervorzubrechen schien, hatten nichts mit Musik zu tun, wohl aber mit Kunst. Berühmt wurde sie dafür, daß sie am Teatro La Fenice innerhalb von drei Tagen ihre Rolle in I Puritani einstudierte, während sie Wagners Isolde sang; das gelang ihr nicht zuletzt, weil die Inkohärenz ihrer Stimme es erlaubte. Bis zu ihrer Liebesbeziehung zu Onassis blieb ihre künstlerische Arbeit die Triebkraft ihres Lebens. Sie gewann die ihr erklärten Kriege und verlor dennoch den Kampf. Zum endgültigen Sieg hat ihr künstlerisches Naturell ihr nicht verholfen. Die Vormachtstellung des Mannes in der Kunst und die Einsamkeit der verlassenen Geliebten brachen ihr Herz. Doch die eigensinnige Künstlerin kann der Tod uns nicht nehmen. Sie lehrte mich, das Problem jeder Frau könnte auch meines sein. Ob Isoldes berühmtester Augenblick, der „Liebestod“, oder die „Wahnsinnsszene der Lucia“, die beweisen, daß die Heldin verrückt ist, Maria Callas enthüllte ihrem Publikum viele Geheimnisse des Lebens. Das Paradox weiblicher Gefühle, tabuisierte Gefühle, illegitime Liebesverhältnisse, Rache und Opferbereitschaft, Lust und Leidenschaft machte sie hörbar und für Zuschauer sichtbar. Wenn ich sie weinend singen höre, möchte ich sagen: „Nein, du bist nicht allein“, die beständige Kenntnis von einander verbindet uns ewiglich.“

Die Callas ist durch viele Tode gegangen so wie alle Menschen, bevor der physische Tod uns die Todesfurcht endgültig nimmt. Wenn ihr „Liebestod“ von Richard Wagner den leeren Raum in meinem Inneren füllt, die Musik sich immer höher erhebt, schließe ich meine Augen und spüre, wie die Vibration der Töne in meiner Brust Angst und Einsamkeit besiegt. Kunst ist stärker als der Tod.

Barbara Arens